Die erste Etage des Centro de Historias auf dem Platz San Agustín in Zaragoza beherbergt bis zum 23. August eine der interessantesten Ausstellungen, die in diesem Jahr in der Stadt programmiert werden. Mit dem Titel „Comic in Contemporary Art. Ikonen, Mythos und Narration“ kann man entdecken, wie die beliebten Comics seit der Mitte des letzten Jahrhunderts bis heute die Schöpfer zeitgenössischer Kunst aus verschiedenen Disziplinen, Stilen und Herkunft beeinflusst haben.
Einige der ausgestellten Werke stammen von Namen wie Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Eduardo Arroyo oder dem rätselhaften Banksy. Durch diese Werke wird ein Überblick über mehrere Jahrzehnte geboten, in denen Comics von bloßer Unterhaltung und Erzählform zu ästhetischer, thematischer und auch konzeptioneller Inspirationsquelle für einige der relevantesten Künstler unserer Zeit wurden.
Dieser Einfluss war nie verborgen, was bereits in den ersten Bildern der Ausstellung deutlich wird, in denen wir ikonische Comicfiguren in andere Formate übertragen sehen. So geschieht es beispielsweise mit dem Bildhauer, Maler und Zeichner Claes Oldenburg, dessen berühmte Geometric Mouse mit der Figur von Mickey Mouse gezeigt wird, die in geometrische Formen umgewandelt wurde, dabei aber dennoch erkennbar bleibt. Dies verdeutlicht die Macht dieses Massenkultur-Ikons. Genauso erkennen wir die Figur von Spiderman in dem Werk mit dem Titel What have I become des Street Art-Künstlers D*Face. Hier präsentiert er den Superhelden, der am Rande eines Abgrunds sitzt, fast niedergeschlagen und mit einem Besen. Das heißt, in einem nichtsheldenhaften Akt, verletzlicher als mächtig.
Nach diesem ersten Kontakt erreicht die Ausstellung bald einen ihrer Höhepunkte, da an den Wänden des Centro de Historias mehrere Werke großer Vertreter des Pop Art hängen. So ist Andy Warhol zu sehen, der das industrielle und repetitive Konzept des Comics anpasste, um Serien wie seine Sopas Campbell zu erschaffen. Ebenso bezog Roy Lichtenstein die Idee der Comicstrip und verwandelte sie in monumentalere Formate, ohne narrativen Gehalt.
Währenddessen entwickelten sich in Europa verschiedene figürliche Strömungen, die sich der vorherrschenden Abstraktion in der zeitgenössischen Kunst entgegenstellten. Einige Künstler begannen erneut Figuren zu malen und erkennbare Szenen darzustellen. In der Ausstellung sind die Arbeiten des Franzosen Hervé Télémaque, des Italieners Valerio Adami sowie Eduardo Arroyo und des Equipo Crónica in Spanien zu sehen.
Diese Strömungen des Pop Art und der Neuen Figuration legten das Fundament dafür, dass die Formen und Charaktere der Comics in vielen späteren Schöpfungen der zeitgenössischen Kunst des 20. Jahrhunderts präsent waren. Tatsächlich sind gegen Ende des Jahrhunderts viele postmoderne Künstler mit unterschiedlichen Perspektiven und Zielen aktiv, die den Einfluss der Comics lebendig halten, wie in den ausgestellten Werken von Riiko Sakkinen, Judas Arrieta, Ai Weiwei oder dem immer intensiven Damien Hirst gut zu erkennen ist.
Bis hierhin zeigt sich vor allem der Einfluss des Comics in der amerikanischen und europäischen Kunst, doch es darf nicht vergessen werden, dass zu einem bestimmten Zeitpunkt der Manga und die japanische Animation mit ungewöhnlicher Kraft in Erscheinung treten. Offensichtlich hat dies Auswirkungen auf andere künstlerische Disziplinen, insbesondere in der Malerei. Tatsächlich ist dieses Kapitel der Ausstellung eines der interessantesten. Künstler wie Takashi Murakami, sein Schüler Mr. sowie Yoshitomo Nara übertragen die scheinbar naiven Formen des Manga und deren außergewöhnlich lebendige Farben auf Leinwände und Drucke. Es könnte scheinen, dass sie lediglich die Ästhetik replizieren, doch sie gehen weiter und laden zur Reflexion über Themen wie Konsum, Wunsch oder die Traumata ihrer Gesellschaft und ihrer Zeit ein.
Um die Tour durch die Ausstellung abzuschließen, erscheint das musikalischste Kapitel. Wir wissen alle, dass Comics, sowohl ihre Charaktere als auch ihre Geschichten, seit langem auf die Bildschirme gesprungen sind. Tatsächlich erleben sie in dieser Hinsicht einen glanzvollen Moment. Ganz zu schweigen von ihrer Präsenz im Fernsehen seit Jahrzehnten. Es ist ebenfalls offensichtlich, dass Comics, die als neunte Kunst anerkannt sind, sogar Teil der Literatur werden und viele Veröffentlichungen den Namen Graphic Novels annehmen. Nun gibt es vielleicht eine unerwartete Spur des Comics in der Musik. Dies lässt sich an den Covern mancher Platten nachvollziehen.
Offensichtlich ist das Cover von Goo von Sonic Youth, das fast ein vergrößertes Comicbild ist. Auch auf dem Cover von The New Abnormal von The Strokes, das von einem weiteren großen Künstler des späten 20. Jahrhunderts, dem talentierten Jean Michel Basquiat, entworfen wurde, erkennt man die fragmentierte Ästhetik des Genres. Und in einem völlig anderen Stil, aber inspiriert von der Klarheit und den Silhouetten typischer Comics, basierte Julian Opie die Porträts der britischen Band Blur. Während Jamie Hewlett die Musiker der Band Gorillaz zu Comicfiguren machte. Doch dieser Touch des Comics auf einem Albumcover ist nichts Neues. Schon lange zuvor hatte Warhol dies mit The Velvet Underground getan.
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Ausstellung „Comic in Contemporary Art. Ikonen, Mythos und Narration“ im Centro de Historias bis zu 70 Werke von über dreißig international renommierten Künstlern zeigt. Eine mehr als empfehlenswerte (und kostenlose) Ausstellung, die bis zum 23. August 2026 zu sehen sein wird.
